Analyse_von_Aida

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方奕竹

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Aida, als ein der beliebtesten Werke von dem Meister in Oper, Giuseppe Fortunino F. Verdi, wird von allen Oper- Fans weltweit geliebt, nicht nur wegen ihrer spannenden Handlungen und eklatanter Form der Rollen, sondern auch für die begeisternde Musik. Ihre eindrucksvollen Szenen sind so berühmt mit der herrlichen Musik, dass viele Opern versuchen, die Triumphzug-Szene an Musik und Design zu übertreffen.

In dieser klassischen Szene werden die gefüllten Kutschen von den Soldaten geschleppt, die die äthiopische Armee überwältigt haben, während die Kutschen umdrängend Passanten mit den ausländischen Tänzern zujubeln und gleichzeitig das Signalhorn des Siegs geblasen wird. Der Marsch, dessen Hauptmotiv von dem Horn gespielt ist, wird häufig in

Sportveranstaltungen und Feiern benutzt. Aida ist schon zu einer der berühmtesten Opernmusik geworden, genauso wie der Hochzeitmarsch von Lohengrin und das Finale von Guillaume Tel. Die meisten Leute kennen die Melodie, wissen ihren Ursprung aber nicht. Die Bestandteile von Verdis Oper, die die höchste öffentliche Akzeptanz erhalten haben, sind zumeist solche rhythmische und Verantwortungsbewusstsein darstellende Melodien. Außerhalb der Szenen von dem Triumphzug, der Ernennung von Radames zum dem General der ägyptischen Armee und den Kämpfen gegen Feind, konzentrieren die meisten Szenen von Aida auf eine bis drei Rollen. Um weltweite Zuhörer an Nordafrika zu erinnern (obwohl es nicht original ist), hat Verdi echt bemüht, eine exotische und harmonisch

wagemutige Musiksprache zu schaffen. Vielleicht wurde die Struktur des Werkes gerade für eine experimentelle Musik aufgestellt. Aida verdient sich als ein der großartigsten italienischen Oper-Werke, weil ihre Hauptrollen extrem schwierig und anspruchsvoll zu spielen sind. Ich habe dieses Werk im Bachelorstudium während meines freiwilligen Praktikums in

China National Centerfor the

Performing Arts gehört und es hat mich bewundert. Damals war ich verantwortlich für Kontakte mit Schauspielern und Dirigenten als Assistentin hinter den Kulissen, weshalb ich leider nicht an den Proben teilgenommen habe und nur eine vage Vorstellung für die Entwicklung der Handlungen hatte. Aber ich kann mich bis jetzt noch lebendig an das Gefühl von jenem Tag des Debüts erinnern, wie ich von dem Gesang dicht umgegeben worden bin.

Die dramatischen Auswirkungen des Konflikts in Verdis Opern werden oft realisiert durch Bringung ihrer Protagonisten in ein Dilemma. In dem Werk ist Aida eine Frau, die in ein Dilemma zwischen ihrer Verantwortung für Heimatland und der verbotenen Liebe für die Eroberer ihres eigenen Vaterlands geraten ist. Frau Hui He hat sich dem Spiel sehr gewidmet. Ihre Stimme schwebt über das Band, ihre Ligaturen sind sehr schön und in Großen und Ganzen ist ihre Interpretation ganz faszinierend und herrlich.

Es ist eine Grundvoraussetzung für Sopran in Oper, dass sie eine große dynamische Amplitude der Lautstärke und ein großzügiges glänzendes Timbre haben. In der

sechsten Szene des ersten Aktes wird Radames, den Aida liebt, gegen Aidas Vater und Bruder kämpfen. Aida gerät ins Dilemma von Wahl zwischen Liebe und Familie. Während dieses Gesangs hat Frau He emotionale Ausbrüche gezeigt, die voll und bedauerlich sind. Es hat mir einerseits eine Zufriedenheit aus Hören gebracht, anderseits bin ich in ihrer Anmut versunken und lasse mich von Eleganz des Gesangs überrascht. Die zusammenarbeitenden Sänger sind auch hervorragend. In den früheren italienischen Opern, sowohl männliche als auch weibliche Hauptrollen haben beim Bühnenauftritt einige Minuten oder sogar längere Zeit zur Aufwärmung mit Arie für „offenen Hals“ . In diesem Werk wird das extrem schwierige ,,Celeste Aida“ nur fünf Minuten nach dem Beginn der Oper schon aufgeführt. Die Stimme von Tenorstimme Jorge De León ist dick und dicht, und die Leidenschaft ist unter niedergedrückten Zustand langsam ausgebrochen. Die Arie hat mich vollständig zum Zittern gebracht.

Wenn der Mezzosopran Prudenskaya Amneris spielt, hat sie eine Palpitation auslösende Intensität gezeigt. Der Charakter der Prinzessin wird überzeugt und strak dargestellt. Im der dritten Szene des zweiten Aktes namens ,,die Liebe und Sorge", das Sopran- Mezzosopran-Duett hat mehr als zehn Minuten gedauert. Ohne gemeingebräuchliche Techniken wie Koloratur-Variation, sequenzielle Melodie und Stapeln von parallelem Intervall, die beiden haben innere emotionale Veränderungen dargestellt zur Entwicklung

und Förderung der steigenden Stimmung der Musik, und damit haben sie die Empathie des Publikums gewonnen. Der Dirigent Zubin Mehta hat wechselhaft dirigiert, teils geschickt und ernst, teils beschwingend und erregend. Seine Performance ist auch vorbildlich. Als ein klassisches Werk wird Aida von vielen Alben aufgenommen. In den 1960er und 1970er Jahren dominierte die Afro-Amerikanischer Sängerin Leontyne Price als die Hauptdarstellerin in Aida. Price hatte ihren einzigartigen Vorteil und sie hat gesagt, „Meine Farbe ist unauslöschlich, meine Haut ist mein Kostüm". Ihre wunderbare Interpretation basierte nicht nur auf ihrer Rasse, die sie zur Empathie in Aida beflügelt, sondern auch auf ihrer einzigartigen rauchigen Stimme als Schwarze, die die Trauer als ein Gefangene in vollem Umfang zum Ausdruck bringt. Der eigene Stolz und Selbstverstrauen von Price haben die Edle von Prinzessin Aida perfekt interpretiert.

Ich habe eine andere Version gefunden, und zwar die Aufnahme von Pavarottis Aufführung im San Francisco Opera in 1981. Die Hauptdarstellerin war Margaret Price. Wahrscheinlich war damals die Aufnahme ineffektiv, so dass es fehlte Tiefe im Klang von Pavarotti als ein Drama-Lyrischer Tenor, eher wie ein Leicht- Lyrischer Tenor. Im Vergleich zu dieser imperfekten Version, es gibt eine perfekte Version, und zwar die Aufnahme von den Wiener Philharmonikern und dem Wiener Staatsopernchor unter Dirigieren von Karajan. Die Hauptrollen wurden von Karajan gut ausgebildet und haben auf einer magischen Weise und in vollem

Zustand ihre Rollen vorgetragen, die über die Erwartungen des Publikums in allen Aspekten hinausgehen.

Während meines Praktikums im China National Center for the Performing Arts hatte ich glücklicherweise die

Notizen des Regisseurs gesehen. Der Regisseur Francesco Micheli hat sehr professionelles Verständnis über Aida. Um das Rhythmus des Spiels zu steuern, langsames Push mit mehreren seltsamem und schönen Tänzen wird aufgeführt. Die Szene, wenn der Sand schließlich langsam fällt und die beiden Personen lebendig begrabt, ist sehr unvergesslich. Gerade wie die anderen Kommentatoren ausdrückten, „Es ist nicht eine Stimme, vielmehr die Tränen". In diesem Moment scheint alles rein ruhig und harmonisch. Seamus Heaney hat gesagt, „das Ende der Kunst ist Frieden“ . Im Hinblick auf diesen Aspekt, es wird realisiert in dieser Version von Aida.